Como resumi-la? A tormenta se alastra na tela e o espectador recebe uma obra confusa. É difícil se aproximar da personagem e das suas vivências, porque as situações que convocadas não são exatamente exploradas. O público tem contato com um breve panorama de cada sensação e experiência de Miller. Ao mesmo tempo, há uma aparente vontade em emocionar e centralizar Winslet o tempo inteiro, mais como uma criação de efeito do que uma investigação concreta da personalidade, do caráter e das experiências intensas de Lee Miller.

Essa reiteração de um sobressalto, causado pela guerra, não atinge quem acompanha a jornada de Miller rumo à cobertura da Segunda Guerra Mundial, sendo uma mulher, que precisou combater também a misoginia e as limitações impostas por preconceitos de gênero. Não há espaço de conexão situacional. O que se estabelece é uma ligeira empatia pelo grupo alegre de amigos de Lee que, obviamente, são afetados pela destruição causada pelo nazismo.

Contudo, nem mesmo a afeição aos companheiros de Lee Miller é trabalhada na narrativa. O longa conta com coadjuvantes como Andrea Riseboroug, Alexander Skarsgård, Noémie Merlant, Marion Cotillard e Josh O’Connor, todos subaproveitados e planificados em suas construções. Sendo que o último retrata o filho de Lee, porém o intérprete é posto em uma conjectura terrível, como um mero repetidor das imagens que imprimem o passado de Miller. Connor e as suas passagens são aquelas detentoras do bastão do texto expositivo durante a projeção.

Então, eis que, ao tocar no nome de Connor, trazemos, além de tudo já abordado, a maior fragilidade do filme em voga: a montagem! Lee precisaria voltar para a sala de edição e ser reconfigurado! A interação entre Winslet e Connor não fomenta nada sobre a vida de Miller depois da guerra. Mais ainda, a narração de Kate Winslet quebra o ritmo da trama, retirando o envolvimento com as tensões do passado da protagonista.

Assim, apesar de Josh e Kate convocarem uma excelente contracena – mérito do talento de ambos –, o diálogo entre eles é descabido para o que soa como foco do enredo. Como melhorar este cenário então? Talvez assim: esta conversa imaginária entre mãe e filho é removida, todo o início da produção viria como flashback ou, ao menos, seria mais enxuto. Porque, na verdade, o que mais interessa e eleva a potencialidade da obra é acompanhar como uma mulher registrou, nos anos 1940, em plena guerra, tantas imagens impactantes.

Também seria apropriado mostrar as suas complexidades psíquicas e ter um tempo de tela maior para revelar mais seus processos criativos. Os seus relacionamentos interpessoais, principalmente com Roland Penrose (Alexander), não são postos de maneira orgânica e ficam soltos. Ainda assim, Winslet e Kuras engancham a atenção de quem assiste, justamente ao explorar os closes que marcam as expressões faciais de Kate no ecrã. É apelativo?

Sim, mas, ao mesmo tempo, observar o rosto de Lee, em um plano bastante fechado, como em uma investigação cuidadosa, faz a sessão valer a pena. Winslet é a rainha dos micromovimentos e ela emprega esta característica da sua composição de Lee toda em seu rosto. Pequenos gestos faciais indicam as mudanças de instalação de emoção da protagonista. Cada virada de chave pode ser vista no ressoar de um movimento, que transborda para a face de Kate. Ao mesmo tempo, tem-se a figura de Lee, que é demonstrada como cativante.

Essa construção vem tanto do roteiro quanto da encenação. Ela é colocada como agente demolidora do status quo, como uma mulher quase independente, à frente de seu tempo e de muitas barreiras impostas pela sociedade. Mas, não todas. As suas fragilidades diante da opressão da guerra e do machismo a aproxima do receptor do longa. É por esta razão que Lee é uma produção fraca em sua totalidade, por não saber organizar os fatos com fluidez e organicidade, nem aproveitar devidamente a potência que foi a personagem central da história.

Mesmo assim, a presença de Winslet e a escolha de enquadramentos, deixam a exibição fruível e um tanto agradável. 

Direção: Ellen Kuras

Elenco: Kate Winslet, Alexander Skarsgård, Marion Cotillard, Andy Samberg

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O mais incrível desta primeira incursão de Eggers por um “cinema de estúdio” é que ele consegue encontrar um equilíbrio interessante entre oferecer um filme mais palatável para o grande público com aspiração para o clássico, algo que A Bruxa e O Farol não foram (se é que podemos classificar O Homem do Norte como um filme agradável para uma audiência média), mas que não perde em momento algum a sua autenticidade. Na tela, é inegável que o longa possui os vestígios da assinatura do seu cineasta. Isso contraria os boatos de que o estúdio tinha interferido bastante em O Homem do Norte a ponto de incomodar o próprio cineasta, que, dizem, parece não estar mais interessado nesse tipo de experiência. Se foi como dizem, isso não é sentido na tela, o épico viking do diretor é uma obra bem consistente.

O Homem do Norte é inegavelmente “cria” de Eggers com toda a sua ação bruta, ríspida, crua e violenta. A violência é gráfica e o cineasta enche o filme de vestígios da brutalidade dos ritos dos guerreiros vikings com imagens que causam repulsa tal qual alguns dos mais emblemáticos momentos de A Bruxa e O Farol. O diretor ainda consegue trazer para o seu épico uma atmosfera fria (não só pelo clima) e até suas inclinações para o folk horror, com a presença determinante de bruxas, uma encarnada por Anya Taylor-Joy e outra por Björk, em participação especial que não dura mais que cinco minutos.

O Homem do Norte acompanha a saga de Amleth (Alexander Skarsgard), príncipe que testemunha a morte do pai, o rei Aurvandil (Ethan Hawke) pelas mãos do tio Fjölnir (Claes Bang). O ardil parente do príncipe não só assassina o irmão e toma o reino do seu pai, como se torna o novo marido da sua mãe, a rainha Gudrún (Nicole Kidman). Quando adulto, Amleth se infiltra nos domínios da sua família como um escravo e passa a colocar em prática seu plano de vingança com a ajuda de Olga (Anya Taylor-Joy), uma jovem bruxa por quem acaba se apaixonando.

O Homem do Norte consegue capturar com verossimilhança o seu contexto histórico em elementos plásticos como fotografia, direção de arte e figurino, mas também em toda a preparação que seu elenco teve que se submeter. Os homens do filme são verdadeiras massas brutas, preparados para causar e suportar qualquer ato de violência com objetividade e sem remorso. As mulheres, por sua vez, exibem uma certa melancolia por serem relegadas a segundo plano ao passo que igualmente ganham uma “casca” na medida em que criam as suas próprias armas para sobreviver nesse contexto.

O filme é, claro, dominado pela performance dedicada do seu protagonista Alexander Skarsgard. O ator convence o espectador desde o momento em que surge na tela vestido de lobo uivando com olhar obsessivo para o vazio. A performance de Skarsgard de certa forma acaba assumindo o próprio tom do filme, uma narrativa seca repleta de personagens que perderam a humanidade ou estão com ela por um fio. É claro que Skarsgard se preparou fisicamente para o papel, mas, diferente da composição de alguns dos seus colegas para papéis similares – basta pensarmos nos filmes da Marvel -, o ator não reduz a ideia de transformar o seu protagonista em uma besta humana simplesmente pela aquisição de massa muscular. Alexander Skarsgard trabalha toda a brutalidade do personagem, uma verdadeira muralha em forma de gente, na expressão corporal encurvada e ameaçadora que exibe durante boa parte de O Homem do Norte. Skarsgard consegue traduzir essa brutalidade de Amleth até mesmo na seara afetiva do personagem, já que o protagonista se revela um sujeito com extrema dificuldade de comunicar sentimentos – algo perfeitamente compreensível dado o background do personagem. Com isso, Amleth tem dificuldade para ceder espaço a emoções mais à flor da pele, mesmo quando parece senti-las, como acontece em diversos momentos nos quais divide a cena com as personagens de Kidman e Taylor-Joy, sua mãe e namorada, respectivamente.

Os demais atores do filme têm grandes momentos (Taylor-Joy, Claes Bang, Ethan Hawke, Willem Dafoe), mas não poderíamos deixar de mencionar a grande oportunidade que Robert Eggers dá a Nicole Kidman de protagonizar a cena de maior impacto de toda a história ao lado de Skarsgard. Durante todo O Homem do Norte, a rainha Gudrún parece ficar em segundo plano nos reinados dos seus maridos (Hawke e Bang), no entanto, é em um monólogo para o filho já adulto que a personagem revela por completo a sua natureza e como é interessante ver a atriz dominar com maestria cada linha daquele texto.

Quem estava com receio de Robert Eggers desvirtuar o cunho autoral do seu cinema com O Homem do Norte pode respirar aliviado por o longa é tão macabro e místico quanto suas obras anteriores. Com um visual caprichado, o filme abusa da violência e oferece cenas de ação que prendem o espectador na poltrona (destaque para o duelo final entre os personagens de Skarsgard e Bang em meio às lavas de um vulcão prestes a entrar em erupção). Ao mesmo tempo, quem tinha um certo receio de se aventurar pelo cinema do cineasta por sua inclinação para o horror e por isso evitou A Bruxa e O Farol, terá nesse longa uma ótima oportunidade para conhecer o trabalho do cineasta.

Direção: Robert Eggers

Elenco: Alexander Skarsgård, Nicole Kidman, Claes Bang, Anya Taylor-Joy, Ethan Hawke, Björk, Willem Dafoe, Gustav Lindh

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Identidade é um drama de habilidade fascinante por desenvolver o protagonismo de duas personagens femininas extremamente complexas e por fazê-lo através de um uso sofisticadíssimo da linguagem audiovisual. Com sua fotografia em preto e branco, Hall costura de maneira elegante e repleta de nuances a jornada dessas mulheres, marcada majoritariamente por decisões nada óbvias a partir de uma situações que instauram conflitos aparentemente duais.

Ao passo que, assim como Irene (Thompson), julgamos a atitude e o comportamento de Clare (Negga) por esconder a cor da própria pele e assumir a identidade de uma mulher branca, a cineasta de maneira sensível e inteligente nos apresenta gradualmente as contradições da sua protagonista. Apesar de não se passar por branca, Irene (Thompson) não vive a vida da maioria das mulheres negras do seu tempo. Ela tem uma rotina confortável como esposa de um médico, um casal negro que “furou a bolha” e teve uma aparente ascensão social. No entanto, as mudanças para Irene são superficiais, aos poucos nos damos conta de que existe uma falsa impressão de transformação social quando a personagem de Thompson se depara com as falas e gestos hostis do marido racista de Clare ou quando fica sabendo pelo esposo que um homem negro foi linchado a poucos metros da sua casa. É nesse instante que a redoma da protagonista é quebrada e ela entra em crise e passa a questionar uma série de comportamentos de auto-negação da sua própria identidade, como quando esconde dos seus filhos a segregação racial no país ou a relação dúbia que estabelece com suas empregadas, também mulheres negras.

No lado mais evidente da análise de Identidade sobre o seu tema, temos a melancolia literalmente maquiada de Clare, cujos artifícios estéticos possibilitaram uma camuflagem social até certo ponto mas não foram capazes de salvar efetivamente a personagem do preconceito, muito porque existem questões internas mal resolvidas na personagem de Ruth Negga. Ao mesmo tempo que isso serve para que nós venhamos a compreender a segunda personagem de Identidade, também passa a ser um dado interessante para lermos a segunda porque é o convívio com a dubiedade de Clare que Irene (Thompson) passa a questionar seu estilo de vida, seu lugar na sociedade e sua própria relação com sua identidade.

Com tamanha complexidade conferida a suas personagens, não fica difícil para Identidade trazer fortes desempenhos de Tessa Thompson e Ruth Negga. Rebecca Hall parece ter trazido para trás das câmeras toda sua expertise na atuação e arranca das atrizes interpretações preciosas. Thompson é, de longe, a presença mais marcante do filme, com uma personagem nuançada, cheia de contradições, questões mal resolvidas e expressa toda essa combustão interna de forma silenciosa, como convém a sua retraída personagem, somente por meio de pistas deixadas pelos seus gestos corporais e expressões faciais. A atriz é econômica e consegue modular muito bem os diversos estágios emocionais pelo qual sua personagem vive na história. Ao mesmo tempo, Negga é uma figura viva durante todo o filme. Construindo Clare como uma personagem marcada pela falsa extroversão, Negga nos apresenta uma personagem triste, solitária. A dupla é formidável e faz um trabalho fundamental para cumprir os propósitos da história que a diretora conta.

O longa consegue compreender e traduzir muito bem esse lugar de quem toma consciência de que pertence a um grupo hostilizado socialmente e que, por conta dessa violência passa a desejar outra vida, aspira pertencer a extratos sociais mais aceitos para não passar por sofrimento… A obra fala sobre a rejeição da própria identidade e como isso em dado momento tem o potencial de se voltar contra a pessoa. Afinal, não dá para fingir ou esquecer aquilo que simplesmente se é, é algo que ronda sua vida e enquanto você não “abraça” isso com todas as suas circunstâncias externas, incluindo a não aceitação de terceiros, você nunca encontrará paz. Possivelmente, uma conclusão que Irene pode tirar ao final do terceiro ato diante de uma decisão extremada de Clare. É nesse lugar inflamável que as duas personagens de Identidade se encontram e isso o longa consegue traduzir muito bem.

Ao mesmo tempo, o filme dá conta da identidade como algo fluido quando fala sobre a sensação de pertencimento, ampliando suas leituras para outros grupos, como homossexuais, transexuais, mulheres etc. Irene vive em uma comunidade negra, mas não consegue se conectar com ela, apesar de racionalmente entender todas as questões que perpassam por aquele grupo. A sensação de não pertencimento, no caso da personagem, passa pela autonegação, claro. Ao passo que Clare, que deu vazão a sua negação de maneira mais radical quando se passa por uma mulher branca, sente viva sua identificação com os mesmos espaços com os quais Irene se sente desconectada, lugares que permitem que a personagem de Ruth Negga seja de fato quem ela é. Clare vive uma liberdade que não experimentava desde que passou a viver sob a angustiante vigília de sustentar uma falsa identidade e a exaustiva energia que toda essa farsa demandou dela.

Se no primeiro longa, Rebecca Hall já demonstra essa maturidade no uso da linguagem audiovisual, na direção dos seus atores e na tecitura do seu roteiro, imagina o que seus próximos trabalhos como diretora e roteirista nos reservam? Identidade é um filme que foge pela tangente do discurso fácil e juvenil de thread  de Twitter que a gente costuma notar ser incorporado da maneira mais rasa possível por produções audiovisuais recentes, sobretudo com o selo Netflix. Enche os olhos e conforta a alma ver Identidade. Raras vezes se vê na tela a disposição, maturidade e sensibilidade com que Rebecca Hall trata temas como o preconceito e as sensações de pertencimento e deslocamento identitário nesse filme.

Direção: Rebecca Hall

Elenco: Tessa Thompson, Ruth Negga, Andre Holland, Alexander Skarsgård, Bill Camp, Gbenga Akinnagbe, Antoinette Crowe-Legacy, Doris McCarthy

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Na trama, o jornalista Fred Flarsky (Seth Rogen) reencontra por acaso sua primeira paixão, Charlotte Field (Charlize Theron). Enquanto Flarsky cresceu e se tornou um redator impulsivo, Charlotte ocupa o cargo de Secretária de Estado norte-americana, sempre rodeada por assessores de sua confiança. O caminho dos dois vai se cruzar profissionalmente e render uma longa história.

Comentei no Especial: Cinco Comédias Românticas Imperdíveis que a principal receita para uma comédia romântica de qualidade é o equilíbrio nas duas partes do gênero. O espectador tem que ser ofertado com muita comédia e muito romance, tudo na medida certa e respeitando o espaço dos dois. O que vem acontecendo nos longas deste estilo nos últimos anos é que a comédia sobrepõe o romance, dando pouco espaço para apaixonar o espectador.

Felizmente, Casal Improvável acerta perfeitamente neste equilíbrio. Começamos com um ritmo acertado de risos exacerbados e cenas toscas, evoluindo lentamente para o romance que vai surgindo entre o casal principal. Acredito que um dos maiores ganhos do longa é que ele respeita o momento de romance, sem interferir com a risada. Em uma das cenas mais lindas quando o casal principal dança nos bastidores de uma festa, nós podemos curtir aquele momento, se apaixonar pela música e pelos dois. Não temos o clímax interrompido.

Diferente do que a ideia do filme pode propor, este não é um filme sobre um cara bosta que consegue a mulher maravilha. O que seria péssimo porque isso é muito triste de se ver em cena e alimenta um comportamento muito comum na sociedade, onde mulheres incríveis se rebaixam para se relacionar com homens medíocres. O enredo é muito mais sobre pessoas diferentes em comportamento e personalidade, se relacionando. Ele é jornalista investigativo impulsivo que perde o emprego porque não aceita a nova gerência e suas imposições. Ela é uma secretária de Estado que não deixa nem um fio solto porque está com o objetivo de concorrer à presidência. Então tudo é milimetricamente pensado e estudado.

A maneira como eles se encontram, inclusive, é o que torna o romance possível. Em um mundo comum, onde eles não se conhecessem previamente, Charlotte jamais olharia para Fred com algum interesse. Ela já está condicionada a direcionar o olhar dela para outros estilos de homem. Então o histórico de infância dos dois torna tudo mais real.

Ainda que com toques de realismo, o filme não se propõe a ser menos lúdico. Momentos de ação, por exemplo, são inseridos como artifício para impulsionar o relacionamento do casal e funciona muito bem. O mesmo vale para resultados meio absurdos no final, que sabemos que não aconteceriam na vida real. Mas a ideia do filme é justamente ficar nesse limiar entre a realidade e a ficção.

Na pele do casal principal, a combinação de atores tão improvável quanto seus personagens. Seth Rogen (Ligeiramente Grávidos) é a cara do clássico nerd: barbudo com o cabelo sem cortar, roupas largas, barrigudo e com cara de que não curte um banho. Já Charlize Theron (Mad Max: Estrada da Fúria) é a definição de perfeição de beleza. Elegante, sedutora, se veste bem, sabe se portar em todos os ambientes e dedicada. A química dos dois é suave e verdadeira, deixando as cenas ainda mais emocionantes. Eles nos convencem a todo momento sobre o surgimento do amor da dupla.

Podemos dizer que Casal Improvável é uma comédia romântica raiz, na melhor definição do termo. Ela possui todos os elementos para deixar o espectador completamente envolvido na história. O amigo maravilhoso que acredita no protagonista, o vilão suave que separa o casal principal, encontros emocionantes, o surgimento de uma paixão improvável e uma trilha sonora envolvente. Somos agraciados com todas essas emoções, que nos levam a rir muito, se apaixonar e chorar.

Há muito tempo (muito tempo mesmo) eu não assistia uma comédia romântica tão maravilhosa quanto essa. E quem vos fala é uma das maiores fãs de comédia romântica possível. Então acreditem quando eu digo: Casal Improvável é incrível e vale cada segundo da sessão. Assistam!

Direção: Jonathan Levine
Elenco: Charlize Theron, Seth Rogen, O’Shea Jackson Jr., Andy Serkis, June Diane Raphael, Bob Odenkirk, Ravi Patel, Alexander Skarsgård, Lisa Kudrow

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“Como John Carter e O Cavaleiro Solitário antes dele, A Lenda de Tarzan é tão genérico que esquece do que fez esse personagem ser tão icônico” Alonso Duralde, The Wrap

“A Lenda de Tarzan é uma sequência, uma história de origem e uma trama revisionista tudo em um só filme. Tudo o que ele não consegue ser é divertido, como o homem criado por Edgar Rice Burroughs e suas encarnações prévias no cinema” Peter Debruge, Variety

“Como Tarzan, Alexander Skarsgard tem o corpo como se fosse esculpido no mármore e o desempenho de uma pedra” Stephen Whitty, Newark Star-Ledger

“Este é certamente o melhor filme com um Tarzan em carne-e-osso feito em décadas (o que, admito, não é muito) e oferece um equilíbrio entre a ação e o drama” Tom McCarthy, The Hollywood Reporter

“Finalmente uma releitura hollywoodiana com um ponto de vista interessante” Alan Scherstuhl, Village Voice

A Lenda de Tarzan estreia dia 21 de julho no Brasil.

Assista ao trailer do filme:

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O Doador de Memórias é o tipo do filme que cria toda uma expectativa principalmente pelo fato de ter Meryl Streep. O que por si só, vamos combinar, já é o suficiente para tirar qualquer pessoa de sua casa para ir ao cinema. Mas nem mesmo Meryl consegue sustentar sozinha um filme mediano que se propõe muito além do que efetivamente cumpre.

O enredo conta a história de uma sociedade futurista, onde a humanidade atingiu a perfeição e ninguém passa fome, nem fica doente, nem briga, nem nada. Tudo isso foi possível, no entanto, graças à exclusão de sentimentos dos humanos. Diariamente eles tomam uma injeção que os impede se sentir e com isso, as pessoas não brigam, não iniciam guerras nem nada. As pessoas não sabem de nada do passado, nenhum detalhe, nem uma parte da história. Tudo isso é designado ao doador de memórias. Ele é representado por um homem que abriga todas as memórias do mundo, toda a história que ninguém lembra e serve de conselheiro dos anciãos, dizendo que decisões devem ser tomadas.

Quando os jovens atingem determinada idade, eles são escolhidos para representar papéis na sociedade. Têm as mães, os professoras, os esportistas e por aí vai. O protagonista, interpretado por Brenton Thwaites (o príncipe encantado de “Malévola”), é escolhido para ser o próximo doador de memórias e deve passar os próximos meses aprendendo o ofício. Acontece que ele começa a se chocar com essa nova realidade e entrar em confronto com a própria sociedade.

Em tese, a história já é comum o suficiente para segurar um filme inteiro. Toda a fotografia é em preto e branco e vai ganhando cores à medida que Jonas vai descobrindo as memórias. Ok, se não fosse o fato de que esse é um dos maiores ápices do longa. Aliás, reside aí o grande problema do enredo. Ele não tem um pico em momento nenhum. O filme segue morno o tempo todo e de repente acaba. O espectador fica esperando por algo que nunca acontece.
É incrível dizer que a própria atuação de Meryl Streep fica bem apagada diante de todo o cenário sem graça da narrativa. Ela é ótima como sempre, mas passa facilmente despercebida. Jeff Bridges é outro que tem a interpretação abafada pelo enredo ruim. Uma grande pena.

Aliás, no geral, ninguém se sobressai no filme. Temos pessoas interessantes como Katie Holmes e Alexander Skarsgård, mas o espectador não consegue descobrir qual a deles o longa todo.

Talvez a falta de um vilão efetivo seja uma justificativa plausível para toda calmaria do filme. Ninguém é exatamente ruim nem se contrapõe totalmente ao protagonista. Por isso, certamente, que o filme acaba sem que tenha um confronto final nem nada do tipo. A sensação que fica é uma espécie de conto, que não sustenta as quase duas horas de filme.

No final das contas, O Doador de Memórias não é ruim, não. É legal e ponto. Mas esse ponto é que decepciona quem assiste, já que poderia ser um filme infinitamente melhor e mais bem trabalhado. Nada se sobressai, trilha sonora, fotografia, atuações, nada. Uma grande pena e desperdício de elenco.

O post Crítica: O Doador de Memórias apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.