Esta angústia de uma derrota anunciada é fomentada pela pouca luminosidade do ambiente, no qual não se vê completamente todos os detalhes do local ou até das personagens. Em um jogo de luz e sombras, as atrizes e atores de Noite Perpétua se posicionam revelando mais ou menos os seus rostos e corpos. Esta estratégia fomenta a sensação de uma noite difícil e de tristeza. Esta tensão também é impressa pela câmera que pouco se movimenta e somente o faz com mais vigor em momentos de virada da narrativa. Um exemplo é quando a rotina noturna de Paz e sua família é interrompida pelo anúncio de que ela terá que ir embora. Mantendo a imagem em quem segura o neném, filha caçula da protagonista, a cena somente volta acompanhar Paz quando ela se dirige até a porta. Em um zoom out, a figura opressiva destes homens é colocada, ainda que eles estejam de costas. Desta maneira, o autoritarismo se faz presente, mas o foco principal da ação ficam sendo as emoções de Couso, que procura esconder seu temor diante daquela situação. Lentamente, o quadro vai se fechando, em um zoom in, aumentado a possibilidade de investigação dos sentimentos dela, que mistura expressões de clamor e revolta.

Logo em seguida, há uma outra virada, quando Paz fecha porta. Em um rápido zoom out, o rosto de Couso se modifica em poucos segundos e sua consternação é acompanhada. A produção toma seu tempo para compor o cenário de lamento que se instala na tela. Paz e as duas mulheres que estão ali, sentam ao seu lado para vê-la amamentar a sua filha pela última vez. Há, neste instante, assim como em toda projeção, apenas os ruídos daquele espaço. Contudo, eles passam a sensação de serem mais fortes, pelas trocas de olhares das intérpretes, juntamente com o quadro imóvel e a ausência de palavras.

Estes recursos provocam e cooperam para a criação da atmosfera desejada. No entanto, toda a sequência que acontece a partir da cena de Paz alimentando seu bebê retira a força da produção. Aparentemente, nem o roteirista e nem o diretor sabiam muito bem como lidar com a conclusão do enredo. Há sobras em um curta de pouco mais de 17 minutos. Se até a sua primeira metade a pouca iluminação, os sons, angulações etc.,  favoreciam para o estabelecimento das tensões, na segunda parte são técnicas semelhantes que vão se esvaziando de sentido.

O desfecho em si, o quadro final que convoca quem assiste Noite Perpétua a conhecer, finalmente, o lado de fora, vem de um zoom in, indo de um plano médio das janelas e da parede, até chegar na área externa. O que ocorre é que esta ideia que tenta ser poética e imprimir uma ideia de finitude, talvez, não crie nem uma conclusão mais prática de um cinema tradicional e nem um desfecho metafórico, com signos que levem para outros lugares. Ao final da sessão, resta o pensamento de que a busca por uma forma mais elaborada prevaleceu, mas não foi alcançada. Assim, a trama intensa e trágica se enfraquece.

Direção: Pedro Peralta

Elenco: Paz Couso, Sara Piris, Domicilia Nunes

Assista ao trailer!

Confira nossas críticas de festivais clicando aqui!

O post Festival Olhar de Cinema: Noite Perpétua apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Para tal intento, este grupo de performers LGBTQI+ instala uma espécie de cenário no centro de São Paulo. Nele, as pessoas convocam os transeuntes a integrarem a narrativa. É curioso observar como os quadros conseguem captar os artistas, a equipe técnica e quem passa pela rua. Entre planos mais abertos e fechados, os olhares, gestos e movimentos são capturados e transmitem, muitas vezes, mais do que o próprio diálogo. Mas, o texto que se é dito também é marcante.

Reunindo contexto histórico, engasgos, vivências pregressas, músicas e ritmos, a obra evoca reflexões profundas sobre o Brasil, desde a sua origem até o momento presente. A maneira como as falas das ditas minorias sociais se intercalam trazem complexidade para o enredo, que não apenas aposta em expor toda a luta e sofrimento de povos perseguidos – como indígenas, negros, gays, lésbicas, transexuais, travestis e transgêneros – como coloca os diversos pontos de vista dentro das militâncias, pondo em voga as interseccionalidades.

Contudo, os ganhos ficam também por conta dos momentos de respiros, nos quais são mostrados os talentos, as culturas, as alegrias e o entrosamento destes indivíduos ali mostrados. A interação dos performances entre si e com os outros é de provocação e reflexão, mas, igualmente, de proximidade e estabelecimento de conexão. O elenco se coloca aberto e em escuta. Há neles e, aparentemente, em toda equipe, uma vontade de ouvir aquelas vozes, espalhadas pela cidade e, agora, reunidas, ali, na criação desta produção cinematográfica.

Há, ainda, um recurso em Para Onde Voam as Feiticeiras que eleva a potência discursiva que é a utilização de imagens de arquivo. Nelas existem filmagens de protestos, ataques, a denúncia das agressões policiais, a violência brutal para com a população negra, o roubo das terras indígenas, ataques homofóbicos e transfóbicos. Estas sequências surgem tanto como quebras de momentos mais leves, como na reafirmação dos discursos de militância. A estratégia, talvez seja um dos maiores ganhos da projeção, pois fomenta o que está sendo dito durante a projeção e impacta, pois são fortes, por vezes gráficas. Contudo, é importante ressaltar que nada exibido é arbitrário, sem razão. Tem ima lógica e uma intenção presente: a de apresentar, no choque, a razão pela qual o documentário existe e porque o que expõe é tão importante.

Por fim, existe mais outra camada, as dos relatos. Com a câmera parada, mas com cortes que trazem diversos enquadramentos, mais ou menos próximos, a vida destes artistas é contada. O equipamento investiga as expressões e sentimentos junto com que assiste. O elemento mais forte destes momentos são os olhos, que deixam transparecer as marcas do passado, contrapondo com as suas falas poéticas ou um tanto mais ensaiadas.

É neste universo plural de técnicas, realidades, gritos e canções que Para Onde Voam as Feiticeiras se faz. Conscientes do espaço que ocupam e da técnica que escolhem, ele desperta, provoca, diverte, emociona. É tão múltiplo de sensações, quanto de olhares. E não se nega a questionar a si mesmo, pondo os enfrentamentos presentes entre eles mesmos.

Direção: Carle Caffé, Eliane Caffé e Beto Amaral

Elenco: Preta Ferreira, Ave Terrena Alves, Gabriel Lodi

Confira nossas críticas de festivais clicando aqui!

O post Festival Olhar de Cinema: Para Onde Voam as Feiticeiras apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.

Outro destaque do festival é a homenagem para um realizador dentro da Mostra Foco. Neste ano, o nome trazido por eles é o diretor goiano Daniel Nolasco. As obras escolhidas do cineasta para constar na programação são  Vento Seco (2020), Mr. Leather (2019) e Paulistas (2017). Já a produção selecionada para o encerramento  foi Antena da Raça, de Paloma Rocha e Luís Abramo. Para maiores informações, acesse o site do Olhar de Cinema.

O post 9º Olhar de Cinema – Festival Internacional de Curitiba acontece em outubro apareceu primeiro em Coisa de Cinéfilo.