Aqui, o que cria uma nova roupagem para a relação de Júlia com Mati é a saída do Brasil para a morada em um país frio. Esta temperatura perpassa toda produção, seja na luz, na colorização, no texto ou na interpretação das atrizes, a saturação mais baixa revela a frieza que contamina aquele ambiente ficcional. Dentro de todas as possibilidades que poderiam fomentar a união do casal era o calor que aproximava a dupla no passado.

Júlia, que chegou antes no local, é quem mudou nesta equação um tanto injusta. A sua viagem e a distância imposta, antes da chegada de Mati, convocaram uma nova Júlia, uma que pode ter apagado a sua versão anterior, que possui novos desejos, tristezas e angústias. Estas emoções da personagem estão intensamente presentes no roteiro e na direção de Yasmin. Algo que se destaca em sua obra é a sua capacidade de síntese, diante da transmissão de sentimentos tão profundos. E estão todos ali, os sentimentos, em 19 minutos de exibição.

A cada cena, o espectador consegue descobrir as configurações da nova vida de Júlia, a impossibilidade de Mati em retornar para solos brasileiros e a conexão que a dupla possuía no passado. São diversos elementos que, no final das contas, se reúnem em um só: Júlia e Mati. Neste sentido, a complexidade das personagens e do enredo são passadas de maneira mais fluida nos silêncios. As imagens de Yasmin transmitem os olhares e as perspectivas que as personagens compartilham uma da outra. No entanto, durante os diálogos estes pontos são enfraquecidos.

As falas compartilhadas por Mati e Júlia em Eu Te Amo é no Sol deixam uma impressão de que a intimidade delas é menor, menos profunda e especial, principalmente porque o conteúdo do texto mostra uma falta de conhecimento delas, sobre elas. Além disso, alguns momentos são expositivos, como quando ambas conversam na cama sobre a mãe de Júlia. Todavia, as atrizes Maria Leite e Mônica Maria consegue suavizar os diálogos, com pausas e olhares, que deixam as sequências mais orgânicas. Ainda assim, esta característica não compromete tanto o resultado total e a produção conta com uma qualidade significativa, com uma direção bastante atenta aos efeitos que deseja causar.

A seleção de mudar a razão de aspecto quando Yasmin quer mostrar o público que a cena está inserida na lógica interna da narrativa é uma das estratégias efetivas da obra, pois localiza quem assiste a todo instante. Outra escolha certeira é a de trazer o outrora de Júlia e Mati na quentura, na afetividade que o clima tropical permite. Este é um contraponto que cria mais camadas para o que fora e é o namoro delas. Assim, durante toda a projeção, aspectos formais contribuem para o enredo e fazem ele crescer enquanto a sessão se desenrola.

O desfecho de Eu Te Amo é no Sol é um tanto inconclusivo, pois não modifica a situação da trama apresentada, mas a coloca no ponto inicial, talvez. Mas, o que são os romances senão eternos ciclos viciosos que somente são interrompidos quando a vontade de cessá-los é mais intensa do que a memória do calor que um dia foi ofertado. Disso Yasmin tem consciência e consegue expor para a sua plateia plenamente.

Direção: Yasmin Guimarães

Elenco: Maria Leite e Mônica Maria

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Neste sentido, a ideia da natureza e do sensorial, pelo toque, estão presentes, em um sentir a terra com os pés ou uma parte exposta do corpo, por exemplo. Há durante a sessão instantes silenciosos e de investigação, que fomentam esta vontade de passar uma proximidade com a realidade das personagens, através deste convocar de sensações. A câmera toma seu tempo para olhar para aquelas mulheres ali retratadas e compreender porque do partir ou ficar.

No entanto, apesar de possuir momentos de destaque, com imagens que transmitem os sentimentos e desejos das personagens de maneira palpável, falta uma condução mais amarrada dentro do roteiro. As transições temporais e espaciais criam barreiras com espectador, que nem ao menos acompanha o desenvolvimento das relações trazidas no enredo.

Bege Euforia é um curta provocativo, em alguns sentidos, por deixar que o público se depare com as cenas e consiga ir criando sentidos paralelos, enquanto assiste. Contudo, falta explorar esta multiplicidade de interpretações, pelo menos. O local de onde partem as personagens, para onde elas vão e como interagem não aparece durante a sessão. Assim, o que ocorre é uma exposição de imagens sem direcionamento.

Além disso, alguns elementos da técnica comprometem a fruição, principalmente a captação e edição do som. Ruídos e desnivelamentos de volume incomodam e afastam da história. Por mais que se tente uma conexão com a obra, a imersão nela é difícil e os seus encaminhamentos são soltos. Esta é uma produção que fica no meio do caminho e poderia apostar mais no experimental ou não, mas decidir o que quer de fato, para entregar um resultado mais consistente.

Direção: Anália Alencar

Elenco: Mainá Santana, Priscila Vilela, Alice Carvalho

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No entanto, seu tom é fortemente pretensioso e este é o primeiro incômodo da sessão. Contudo, a questão central aqui para apontar um resultado não tão positivo é que esta é uma produção que convoca muitas personagens e elementos, porém que não sabe trabalhar ele para mostrá-los para o espectador. Em algumas sequências, como na do campo de futebol, a captação de som e a escolha de manter o quadro em plano geral interferem diretamente na fruição da obra.

Não é possível enxergar as expressões faciais dos atores ou mesmo escutá-los com precisão. Neste tipo de situação é complexo acompanhar o que está acontecendo, se conectar com a história apresentada. Ao mesmo tempo, os próprios intérpretes parecem desconfortáveis. Seja em questões de corpo ou de intenção do texto, as construções soam artificiais e a ausência de organicidade vem tanto da mise-en-scène desorganizada, quanto do roteiro confuso.

Algo que não está presente no enredo é uma paciência para a elaboração de atmosfera, bem como um espaço para se conhecer a protagonista. As situações vão tropeçando uma na outra e chegam quase de maneira ingênua. O discurso posto na trama é nítido, faz sentido e é uma boa pauta para se trazida. Contudo, deixar a personagem principal como um agente passivo de todas as ações que a cercam e somente reiterar a todo tempo esta prisão que querem que ela habite deixa a obra sem complexidade.

Apesar de todo este contexto, é válido ressaltar que Romance  conta com alguns momentos que podem valer a sessão, seja por alguns planos gerais bem enquadrados ou por um sarcasmo que perpassa a narrativa, que revela um potencial de Teles em trazer um tema relevante sem se levar tão a sério. Não existem limites impostos e a falta de previsibilidade é um ponto qualitativo positivo aqui.

Direção: Karine Teles

Elenco: Gilda Nomacce, Enrique Diaz, Bruno Balthazar

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É um pouco deste contexto, ou um dos olhares possíveis para ele, que Corre de Marmita procura convocar. A partir das ações da Kasa Invisível, ocupação existente desde 2013 e que procura realizar atos sociais e políticos por Belo Horizonte, é que o público compreende este olhar dos diretores Luiz Pretti e Philippe Urvoy. Há um aparente desejo em mostrar esta BH que pulsa arte e cidadania, mas também abandono e descaso.

As intenções do curta-metragem estão todas ali, presentes e entendíveis. No entanto, falta algo no filme. Talvez, exista uma ausência de um tempo maior de fruição das informações. A questão não é de duração de exibição, mas do espaço que ganha cada momento ali mostrado e como a decupagem não parece pensada para cumprir o intento de contar a sua história.

A câmera na mão é uma escolha que precisa ser consciente e a sua utilização carrega consigo sentidos de linguagem, obviamente. Neste curta, o tremor, o desfoque e a modificação constante de quadro não surtem um efeito de imersão ou aproximação da narrativa. Pelo contrário, afasta, desconcentra e cansa o espectador. Devido ao fato da temática ser tão instigante, o público pode se esforçar e conseguir apreciar a sessão sim, porém o conteúdo poderia ser mais bem aproveitado, menos jogado na tela com tanta falta de encaminhamento.

Não é preciso ou desejável que caminhos tradicionais sejam percorridos. Não é isto que está sendo afirmado. O necessário é compreender qual o projeto que se tem nas mãos e o porquê de tirar ele do papel para filmar. Mostrar a ocupação, seus projetos e os acontecimentos durante o início da pandemia da Covid-19 – período no qual o filme se passa – seria o ideal para a disseminação das ideias que deveriam ser mostradas.

Isto se resolveria com uma sequência com planos mais extensos de alguns momentos, com um quadro do rosto de alguém da Kasa, uma imagem de arquivo etc. Assim, Corre de Marmita é uma produção importante em seu tema, porém desgastante e confuso em sua condução.

Direção: Luiz Pretti e Philippe Urvoy

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